15 Essential Jean-Luc Godard Filme, die Sie sehen müssen

Jean-Luc Godard ist eine der bekanntesten Figuren von La nouvelle vague oder der französischen New Wave. Filmemacher, Drehbuchautor und Kritiker, begann er als Autor für die einflussreichen Cahiers du Cinema, wie Claude Chabrol, Jacques Rivettes, Eric Rohmer und Francois Truffaut, die auch einflussreiche Regisseure der Bewegung sind.

Andre Bazin, der Theoretiker und Mitbegründer der Zeitschrift, hatte ebenfalls einen großen Einfluss auf die Bewegung, so dass die Cahiers Godard mit all dem theoretischen Wissen ausstatteten, das er brauchte, um sich stärker in die Bewegung einzubringen. Als Kritiker schrieb er über die “Tradition der Qualität” des französischen Kinos und plädierte für mehr Dreharbeiten vor Ort und einen experimentelleren Filmstil.

Seine Ausbildung als Kritiker beeinflusste seinen Stil während seiner gesamten Filmografie, da Jean-Luc Godard einer der Regisseure ist, die sich am häufigsten neu erfanden, mit der Filmerzählung und der Filmform experimentierten, ihre Grenzen und die Grenzen seines eigenen Stils herausforderten.

1. Atemlos (1960)

Godards erster Spielfilm Breathless ist auch sein kommerziellster Film mit Jean-Paul Belmondo, der später einer der beliebtesten Schauspieler der französischen New Wave-Bewegung wurde, und Jean Seberg, dessen Pixie-Haarschnitt nach der Veröffentlichung des Films zur Ikone wurde.

Breathless beginnt als Gangsterfilm und wird im Verlauf der Handlung zu einem Liebesfilm, bricht die Regeln des Geschichtenerzählens, wie sie das Publikum zuvor kannte – Jump Cuts werden zum Schnitt hinzugefügt, Breaking the Fourth Wall ist kein Tabu mehr, der Soundtrack ist nicht auf den Sound eines bestimmten Genres beschränkt, und die Erzählung springt leicht von einem Genre zum anderen, ohne so viele Informationen über die Geschichte anzubieten, wie das Publikum es gewohnt war.

Auch wenn der Film mit einem Verbrechen beginnt, liegt sein Hauptaugenmerk auf der Beziehung zwischen den Hauptfiguren und ihrer Intimität. Nach ihrer Romanze beginnt Breathless ein Muster, das sich durch die gesamte Filmografie des Regisseurs ziehen wird – Liebhaber, die von unterschiedlichen Zielen und Weltanschauungen zerrissen sind. Wie Godard selbst sagte, alles, was Sie für einen guten Film brauchen, ist ein Mädchen und eine Waffe. Breathless ist ein gutes Beispiel.

2. Vivre sa vie (1962)

Vivre sa vie ist Godards zweiter Film mit seiner Muse (und Frau) Anna Karina aus den 1960er Jahren. Aufgeteilt in zwölf Charaktere, die durch Zwischentitel getrennt sind, die für den auteuristischen visuellen Stil des Regisseurs ikonisch werden, folgt der Film der Geschichte eines jungen Mädchens, das zur Prostituierten wird und unangenehme Wahrheiten über die Welt lernt.

Die ikonischste Szene des Films ist die Kinoszene, in der Nana (Karina) weint, während sie die Passion von Jeanne d’Arc beobachtet, die wiederholte Gegenüberstellung zwischen Maria Falconetti (Jeanne d’Arc) und Nana, die eine Parallele zwischen ihnen schafft, die für die Geschichte symbolisch ist.

3. Verachtung (1963)

In der Hauptrolle von Brigitte Bardot, der Femme Fatale des französischen Films der 1960er Jahre und mit einem symbolischen Auftritt des Regisseurs Fritz Lang in einer Nebenrolle, ist Contempt ein Film über den Konflikt zwischen Kunst und Wirtschaft in der Branche. Der Ehemann von Camille (Bardot) arbeitet an der Produktion eines Films, der auf Homers Odyssee basiert und die Ära symbolisiert, in der Film mehr Kunst als Geschäft war, aber Konflikte auftreten und der Film Veränderungen erleidet, um erfolgreicher zu sein.

Fritz Lang, ikonischer Regisseur der Stummfilmzeit, bekannt für seine expressionistischen Werke, ist ein Filmemacher, für den Godard seinen Respekt zum Ausdruck brachte, so dass seine Rolle im Film eine symbolische Rolle in seiner Bedeutung hat. Camilles wachsende Verachtung für ihren Ehemann, als er allmählich seine künstlerischen Wünsche für kommerziellen Wert aufgibt, scheint die des Regisseurs zu sein.

Jean-Luc Godard kreiert oft Filme, die sich mehr auf die intellektuellen Ideen und Konzepte hinter der Geschichte als auf die Geschichte selbst konzentrieren, und Contempt ist ein perfektes Beispiel dafür, da seine Erzählung ein visueller Monolog über die Filmindustrie und die Art und Weise ist, wie sie ihren künstlerischen Ambitionen den Rücken kehrt.

4. Bande ein Teil (1964)

Bande a part ist wohl Godards kultigster Film aus den 1960er Jahren, besonders nachdem Bernardo Bertoluccis The dreamers (2003) ihn wieder in die Aufmerksamkeit junger Cinephiler gerückt hat. Anna Karina findet sich wieder zwischen zwei männlichen Gegenparts wieder, wie sie es in ihrem ersten Film mit Godard, Une femme est une femme (1961), getan hat und das Klischee eines Trois des französischen Kinos spielt. Wenn der Film von 1961 jedoch eine Komödie war, ist Bande a Part weit davon entfernt, einer zu sein.

Der Film mit einem Mädchen und einer Waffe erzählt die Geschichte von Odile (Karina), die von Franz (Sami Frey) und Arthur (Claude Brasseur) zu einem Raubüberfall eingeladen wird, um eine Pause von der Routine einzulegen. Odile, ein einsames Mädchen, das sehr gern ins Kino geht, verliert sich in der Handlung, die sie wohl eher als etwas aus einem Film als als einen tatsächlichen Raub ansah – bis es zu spät war.

5. Alphaville (1965)

Alphaville ist einer der ersten Filme seiner Art vor Filmen wie Equilibrium (2002) und eine dystopische Science-Fiction über eine Gesellschaft auf einem anderen Planeten, in der Emotionen verboten sind. Godard macht eine geniale Kritik an den Funktionen der Sprache: wenn eine Emotion in Alphaville verboten wird, werden die Wörter, die sie beschreiben, aus dem Wörterbuch entfernt, und das immer aktualisierte Wörterbuch dient als Bibel der Gesellschaft.

Der Film folgt der Geschichte einer jungen Frau aus Alphaville, die gegen das Gesetz verstößt und sich in den amerikanischen Detektiv verliebt, der dort war, um ihren Planeten zu untersuchen. Mit einer Film-Noir-Ästhetik, mit der unumgänglichen Femme Fatale (Anna Karina) und einem Detektiv (Eddie Constantine) mit einem kalten Aussehen, Alphaville ist ein weiterer von Godards über Kunst, diesmal die Kunst der Worte und ihre Macht, die Realität zu unterstützen.

6. Pierrot le fou (1965)

Nach der dunklen Ästhetik von Alphaville kommt Pierrot le fou als Farbexplosion. Jean-Paul Belmondo spielt erneut den verliebten Mann in einem Film über einen Gangster und ihr Liebesinteresse, aber diesmal ist der Gangster das Mädchen (Anna Karina), und er kann es nicht ablehnen, mit ihr davonzulaufen. Geprägt von vielen Ähnlichkeiten mit Breathless bricht Pierrot le fou alle narrativen Erwartungen, indem er den Protagonisten auf dem Weg der Selbstzerstörung mit bunten Explosionen folgt – sowohl im übertragenen als auch im wörtlichen Sinne.

Der Film Two in the wave (2010), ein Dokumentarfilm über Jean-Luc Godard und Francois Truffaut, untersucht die Parallele zwischen der Ästhetik von Godards Filmen und dem Niedergang seiner Beziehung zu Anna Karina. Nach Une femme est une femme, dem ersten gemeinsamen Film, wird die Ästhetik ihrer Filme immer dunkler und gipfelt in dem düsteren Alphaville – unmittelbar gefolgt vom hellen Pierrot le fou und später Made in U.S.A. (1966).

Laut der Parallele, die der Dokumentarfilm vorschlägt, ist diese Verschiebung in der Stimmung des Films weit davon entfernt, darauf hinzudeuten, dass sich die Beziehung zwischen dem Filmemacher und seiner Muse wieder nach oben bewegte – ein Beweis dafür, dass sie sich 1967 scheiden ließen. Stattdessen ist die Farbigkeit dieser beiden letzten Filme, die sie zusammen gemacht haben, eine Möglichkeit, die Vergangenheit ihrer Beziehung zu feiern. In diesem Sinne ist es interessant festzustellen, dass Pierrot le fou mit dem Tod beider Liebenden endet.

7. Maskulin feminin (1966)

Masculin Feminin ist Godards erster Film, der eine klare politische Richtung in Godards Filmografie vorgibt, nachdem Le petit soldat (1963) einen Hinweis in diese Richtung gab, aber keine Filme mit klareren politischen Botschaften folgten. Paul (Leaud) hat gerade seinen Wehrdienst beendet, und durch seine Interaktionen mit Menschen um ihn herum, insbesondere mit seiner Freundin, die Popsängerin ist, zieht der Film Beobachtungen und Kritik an der Jugendkultur Frankreichs im Moment.

Der Gegensatz zwischen den Überzeugungen des Protagonisten und denen der Jugend um ihn herum wird im Zwischentitel “Die Kinder von Marx und Coca-Cola” beschrieben. Die Tatsache, dass der Film mit Jean-Pierre Leaud, der Muse von Godards gutem Freund Francois Truffaut, in der Hauptrolle spielt, ist etwas ironisch, da die Hinwendung des Regisseurs zum politischen Film das Ende seiner Freundschaft mit Truffaut bedeuten wird.

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