15 Películas Esenciales De Jean-Luc Godard Que Necesitas Ver

Jean-Luc Godard es una de las figuras más conocidas de La nouvelle vague, o la Nueva Ola Francesa. Cineasta, guionista y crítico, comenzó como escritor para los influyentes Cahiers du Cinema, como Claude Chabrol, Jacques Rivettes, Eric Rohmer y Francois Truffaut, que también son directores influyentes del movimiento.

Andre Bazin, el teórico y cofundador de la revista, también tuvo una gran influencia en el movimiento, por lo que los Cahiers equiparon a Godard con todos los conocimientos teóricos que necesitaba para involucrarse más en el movimiento. Como crítico, escribió sobre el estilo de” Tradición de Calidad ” del cine francés, abogando por más filmaciones en localizaciones y un estilo más experimental en el cine.

Su formación como crítico influyó en su estilo a través de su filmografía, ya que Jean-Luc Godard es uno de los directores que más veces se reinventó a sí mismo, experimentando con la narrativa cinematográfica y la forma cinematográfica, desafiando sus límites y las mercancías de su propio estilo.

1. Sin aliento (1960)

El primer largometraje de Godard, Breathless, es también su película más comercial, protagonizada por Jean-Paul Belmondo, quien más tarde se convirtió en uno de los actores más populares del movimiento de la Nueva Ola francesa, y Jean Seberg, cuyo corte de pelo de pixie se convirtió en icónico después del lanzamiento de la película.

Comenzando como una película de gángsteres y convirtiéndose en una película romántica a medida que se desarrolla la trama, Breathless rompe las reglas de la narración como la audiencia las conocía antes: los cortes de salto se agregan a la edición, romper la cuarta pared ya no es un tabú, la banda sonora no se limita al sonido de un género determinado, y la narrativa salta fácilmente de un género a otro sin ofrecer tanta información sobre la historia como la audiencia estaba acostumbrada a recibir.

Incluso si la película comienza con un crimen, su enfoque principal es la relación entre los personajes principales y su intimidad. Siguiendo su romance, Breathless comienza un patrón que existirá a lo largo de la filmografía del director: amantes desgarrados por diferentes objetivos y visiones del mundo. Como dijo el propio Godard, todo lo que se necesita para una buena película es una chica y un arma. Breathless es un gran ejemplo.

2. Vivre sa vie (1962)

Vivre sa vie es la segunda película de Godard protagonizada por su musa (y esposa) de 1960, Anna Karina. Dividida en doce personajes, separados por intertítulos que se convertirán en icónicos para el estilo visual auteurista del director, la película sigue la historia de una joven que se convierte en prostituta, aprendiendo desagradables verdades sobre el mundo.

La escena más icónica de la película es la escena de cine, donde Nana (Karina) llora mientras observa La pasión de Juana de Arco, la yuxtaposición repetida entre Maria Falconetti (Juana de Arco) y Nana creando un paralelo entre ellas que es simbólico para la historia.

3. Desacato (1963)

Protagonizada por Brigitte Bardot, la mujer fatal de la película francesa en la década de 1960 y con una aparición simbólica del director Fritz Lang en un papel secundario, Contempt es una película sobre el conflicto entre el arte y los negocios en la industria. El marido de Camille (Bardot) está trabajando en la producción de una película basada en La Odisea de Homero, que simboliza la época en la que el cine era más un arte que un negocio, pero aparecen conflictos y la película sufre cambios para tener más éxito.

Fritz Lang, director icónico de la era muda, conocido por sus obras expresionistas, es un cineasta por el que Godard expresó su respeto, por lo que su papel en la película tiene un papel simbólico en su significado. El creciente desprecio de Camille por su marido, a medida que abandona gradualmente sus deseos artísticos por un valor comercial, parece ser el del director.

Jean-Luc Godard a menudo crea películas que se centran más en las ideas y conceptos intelectuales detrás de la historia que en la historia en sí, y El desprecio es un ejemplo perfecto, ya que su narrativa es un monólogo visual sobre la industria cinematográfica y la forma en que da la espalda a las ambiciones artísticas que solía tener.

4. Bande una parte (1964)

Bande a part es posiblemente la película más icónica de Godard de la década de 1960, especialmente después de que Los soñadores de Bernardo Bertolucci (2003) la devolviera a la atención de los jóvenes cinéfilos. Anna Karina vuelve a protagonizar entre dos personajes masculinos, como hizo en su primera película con Godard, Une femme est une femme (1961), interpretando el cliché manage a trois del cine francés. Si la película de 1961 fue una comedia, sin embargo, Bande un papel está lejos de serlo.

Con una chica y una pistola, la película sigue la historia de Odile (Karina), que es invitada por Franz (Sami Frey) y Arthur (Claude Brasseur) para cometer un robo con el fin de tomar un descanso de la rutina. Odile, una chica solitaria muy aficionada al cine, se pierde en la acción que podría decirse que vio como algo de una película en lugar de un robo real, hasta que fue demasiado tarde.

5. Alphaville (1965)

Una de las primeras películas de este tipo, antes de películas como Equilibrium (2002), Alphaville es una ciencia ficción distópica sobre una sociedad ubicada en un planeta diferente, donde las emociones están prohibidas. Godard hace una crítica ingeniosa sobre las funciones del lenguaje: cuando una emoción se prohíbe en Alphaville, las palabras que la describen se eliminan del diccionario, y el diccionario siempre actualizado sirve como la Biblia de la sociedad.

La película sigue la historia de una joven de Alphaville que rompe la ley, enamorándose del detective estadounidense que estaba allí para investigar su planeta. Con una estética de cine Negro, con la imperdible femme fatale (Anna Karina) y un detective (Eddie Constantine) con una apariencia fría, Alphaville es otro de los personajes de Godard sobre el arte, esta vez el arte de las palabras y su poder para apoyar la realidad.

6. Pierrot le fou (1965)

Después de la estética oscura de Alphaville, Pierrot le fou llega como una explosión de color. Jean-Paul Belmondo interpreta una vez más al hombre locamente enamorado en una película sobre un gángster y su interés amoroso, pero esta vez el gángster es la chica (Anna Karina), y no puede negarse a huir con ella. Coloreado por muchas similitudes con Breathless, Pierrot le fou rompe todas las expectativas narrativas al seguir a los protagonistas por el camino de la autodestrucción, con explosiones coloridas, tanto en el sentido figurado como literal.

La película Two in the wave (2010), un documental sobre Jean-Luc Godard y Francois Truffaut, explora el paralelo entre la estética de las películas de Godard y el declive de su relación con Anna Karina. Después de Une femme est une femme, la primera película en la que trabajaron juntos, la estética de sus películas se vuelve cada vez más oscura, culminando con la sombría Alphaville, seguida inmediatamente por el brillante Pierrot le fou y, más tarde, Made in U. S. A. (1966).

De acuerdo con el paralelo que propone el documental, este cambio en el estado de ánimo de la película está lejos de sugerir que la relación entre el cineasta y su musa comenzó de nuevo a moverse hacia arriba, prueba de que se divorciaron en 1967. En cambio, el colorido de esas dos últimas películas que hicieron juntos es una forma de celebrar el pasado de su relación. En este sentido, es interesante notar que Pierrot le fou termina con la muerte de ambos amantes.

7. Hombres y mujeres (1966)

Masculin Feminin es la primera película de Godard en dar una dirección política clara en la filmografía de Godard, después de que Le petit soldat (1963) diera una pista en esta dirección, pero no fue seguida por películas con mensajes políticos más claros. Paul (Leaud) acaba de terminar su servicio militar obligatorio, y a través de sus interacciones con las personas que lo rodean, especialmente su novia, que es una cantante pop, la película dibuja observaciones y críticas sobre la cultura juvenil de Francia en este momento.

La oposición entre las creencias del protagonista y las de los jóvenes a su alrededor se describe en el intertítulo “los hijos de Marx y Coca-Cola”. El hecho de que la película esté protagonizada por Jean-Pierre Leaud, la musa del buen amigo de Godard, Francois Truffaut, es algo irónico, ya que el giro del director hacia el cine político significará el fin de su amistad con Truffaut.

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